Pinturas del Museo del Prado

A primera vista, este cuadro parece una instantánea de la familia real, en la que aparece la princesa Margarita con sus criadas, un enano e incluso el propio Velázquez. Pero mira más de cerca: hay un espejo en el que se reflejan el rey y la reina, y el hombre de la puerta aumenta el misterio. Es como un rompecabezas del siglo XVII que te mantiene adivinando.

Esta inquietante imagen muestra al dios romano Saturno comiéndose a uno de sus niños. Pintado directamente en los muros de la casa de Goya durante sus años oscuros, es un crudo retrato del miedo y la locura. Algunos dicen que se trata de que el tiempo destruya todas las cosas; otros lo ven como un reflejo de la agitación de España. En cualquier caso, es inolvidable.

Este tríptico es un festín visual. El panel de la izquierda muestra el Edén, el del centro está lleno de placeres extraños y el de la derecha representa un infierno de pesadilla. Es como una advertencia de cómic medieval sobre las consecuencias de la indulgencia.

Este detallado panel capta el solemne momento de la crucifixión de Cristo. Originalmente parte de un retablo, muestra la profundidad emocional y el intrincado estilo del arte hispanoflamenco.

Caravaggio da vida al relato bíblico con una iluminación dramática. El joven David sostiene la cabeza cortada de Goliat, no en señal de triunfo, sino con expresión contemplativa. Es una poderosa representación de la victoria y de su peso emocional.

Este atrevido cuadro muestra a una mujer desnuda reclinada que mira con confianza al espectador. A diferencia de los desnudos tradicionales, ella no tiene disculpas y es real. Goya también la pintó vestida, pero esta versión suscitó polémica y desafió las normas artísticas.

Esta impactante obra representa a las tropas de Napoleón ejecutando a rebeldes españoles. La figura central, con los brazos en alto, se convierte en un símbolo de la resistencia y de los horrores de la guerra. Es una pieza cruda y emocional que dice mucho.

Rubens celebra la belleza y la armonía con tres diosas entrelazadas. Sus formas suaves y expresiones alegres encarnan la esencia del amor y el encanto del arte barroco.

Este retrato rezuma dignidad e introspección. El gesto de la mano del caballero sugiere un juramento o una profunda sinceridad. El estilo alargado de El Greco añade un toque espiritual a esta imagen icónica.

En lugar de glorificar la guerra, Velázquez se centra en un momento de respeto. El general español recibe las llaves de la ciudad de manos del comandante neerlandés, destacando el honor sobre la conquista. Es una visión matizada de la victoria.